Y ahora que ya estamos situados y tenemos los cinturones abrochados, vamos a despegar con lo que vosotros esperábais leer y nosotros estábamos ansiosos por escribir: STAR WARS.

En los años 70 ya era habitual la hibridación de géneros, que como lectores fieles que sois, recordaréis de la publicación sobre el cine de terror cuando hablamos de Alien, el 8º pasajero (R.Scott, 1979). Es necesario que digamos esto para entender el contexto en que se creó originariamente La Guerra de las Galaxias. Esta "ópera espacial épica" que mezcla western, aventuras, cine bélico, ciencia ficción..., comenzó su andadura basándose  en la obra de Kurosawa La fortaleza escondida (1958).

El primer largometraje, Star Wars: Episode IV - A New Hope, escrita y dirigida por George Lucas, llegó en 1977 y su éxito fue tal que generó su propia cultura y se acabó transformando en una trilogía: Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (Irvin Kershner, 1980) y Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi (Richard Marquand, 1983). Star Wars incluyó algo verdaderamente importante en el cine (ayudada, obviamente, por los efectos especiales) y fue el hecho de asumir que cuaquier cosa que se pudiera imaginar, por irreal que fuera, tenía cabida en la gran pantalla. Sírvase como ejemplo la secuencia en la cantina de Tatooine. 

La campaña de publicidad de esta saga no tuvo precedentes y los ingresos por merchandising superaron a los de taquilla. El resto es la historia que todos conocemos. El universo intergaláctico salió de la gran pantalla en forma de comic gracias a Marvel y la cultura generada por la saga hizo que todos creciéramos con la frase de aquel señor de casco negro diciéndole a Luke Skywalker que era su padre.

Apareció una nueva trilogía entre 1999 y 2005 (The Phantom Menace, Attack of the Clones, Revenge of the Sith). Así como series de animación (Star Wars: The Clone Wars en 2008 y Star Wars Rebels: Spark of Rebellion en 2014). Finalmente, en 2015 se lanzó la muy esperada Star Wars: Episode VII - The Force Awakens, dirigida, coescrita y coproducida por J. J. Abrams. Recuperando aquella estética de la trilogía original y combinando el reparto inicial con jóvenes actores, contecta con varias generaciones y crea nuevos adeptos. Esta nueva trilogía promete estar a la altura de la original, aunque fue muy criticada por su falta de originalidad, previsibilidad y falta de temas filofósicos y metafísicos que caracterizaron a las películas iniciales. Pero, y como apunte personal, ¿puede haber algo peor que ver a un jovenzuelo Anakin, futuro malo malísimo de la galaxia, decir con ojos de pimpollo enamorado "soy prisionero del beso que nunca debiste haberme dado" en El Ataque de los Clones? Meditadlo.

Para cerrar este paréntesis "starwariano" (curiosamente, los fans de Star Wars no tienen un nombre universalemente reconocido como los trekkies) haremos mención a los spin off que llegarán próximamente a los cines, ahondando en el universo galáctico y contando de forma paralela a la trama principal varias historias de las que siempre quisimos más datos. El primero, Rogue One (Star Wars Anthology) está a punto de llegar. 

Pero existe cine más allá del Halcón Milenario. En 1977, Steven Spielberg, otro de los pesos pesados de la ciencia ficción, lanza otro peliculón del género: Encuentros en la Tercera Fase en la que se da una visión más optimista del extraterrestre que la que luego nos dejaría Alien.

Por otro lado, en estos años se recupera la ciencia ficción más clásica con Star Trek y también aparece la serie Battlestar Galactica (1978).

En los años 80 una película revolucionaría la ciencia ficción y sentaría las bases del "cyberpunk" en el cine. Ridley Scott adaptó la novela corta ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick en Blade Runner (1982) para contar la historia de Rick Deckard (se puede decir que Harrison Ford lo ha hecho todo en el cine, merece un capítulo para él solito), un agente de policía que se dedica a cazar replicantes en una sociedad distópica. Cuando el largometraje vio la luz recibió malas críticas, sin embargo, ha acabado convirtiéndose en una película de culto.

Otros títulos de los años 80 serán Predator (John McTiernan, 1987) y The Terminator (James Cameron, 1984) en la que aparece la figura del superhumano, la fusión del hombre y la máquina, ambas con  Arnold Schwarzenegger, como no podía ser de otra manera.

Aunque en los corazones de todos los que crecimos en la época de Barrio Sésamo (que igual algo de ciencia ficción tambien tiene) siempre estarán dos películas que marcaron a una generación entera: E.T, el extraterrestre (Spielberg, 1982) y  Regreso al Futuro (Robert Zemeckis, 1985), que puede considerarse también como cine de aventuras o comedia. Nada sería lo mismo sin "mi casa-teléfono" ni Doc y McFly y su condensador de fluzo. 

Años más tarde, en los 90, los efectos especiales vuelven a cobrar importancia por encima de las revisiones y los temas adultos. Todos recordamos Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993) y la parodia del género de ciencia ficción de Tim Burton Mars Attacks! (1996).

Finalmente, y bajo la influencia del efecto 2000, aparece la trilogía que puso de moda la combinación gabardina, cuero, gafas de sol y pelo engominado: The Matrix (1999) de las hermanas Wachowski. Gracias a ella reflexionamos sobre lo que es real y lo que no lo es, vimos a Neo esquivar balas como nunca antes lo habíamos hecho y nos pusimos en el lugar del elegido, porque, al final, todo depende de si tomamos la píldora azul o la roja.

Ya habíamos aprendido que el cine podía crear historias de mundos imposibes y personajes increíbles, y ahora que los efectos digitales iban a empezar su época dorada, ¿quién se iba a atrever a ponerle diques a la ciencia ficción? Y es que, aún quedan por llegar los superhéroes y los viajes espaciales (tanto de emigración como de inmigración).

Si gracias a los géneros cinematográficos podemos hablar en medio de la calle cantando y bailando con nuestros vecinos como elenco invitado o contemplar las más escalofriantes escenas con la protección que da estar del otro lado de la pantalla, ¿qué me decís de la posibilidad de viajar en el tiempo, hacerte amigo de un extraterrestre o ser salvados por un superhéroe? ¡Gracias por existir Ciencia Ficción!

La primera vez que el público pudo ver los artificios y trucos del género fue con un señor llamado Georges Méliès, ilusionista y director que pasó a la historia como el "mago del cine". Gracias a su su dominio de efectos especiales como el stop trick, las exposiciones fotográficas o el time lapse, lograba contar historias de fantasía, imposibles hasta entonces. A través de sus investigaciones, contribuyó a desarrollar el lenguaje cinematográfico y nos dejó una extensa filmografía entre la que destaca Viaje a la Luna (1902), con una de las imágenes más icónicas de la historia del cine.

Y mientras, en España, donde siempre nos creemos a la cola de cualquier cosa que sea innovar y aportar algo importante, Segundo de Chomón investigaba para pasar a la historia como el descubridor de un efecto llamado "paso de manivela" o lo que hoy conocemos como stop motion. Su película más conocida es El hotel eléctrico (1908).

Por su parte, mientras seguían avanzando las innovaciones técnicas, el expresionismo alemán, hacía que surgieran las novedades narrativas con la aparición de los androides. En 1927, Fritz Lang crea Metrópolis, una película inspirada en una novela de Thea von Harbou. Con trama distópica y una importante carga ideológica sujeta a diversas interpretaciones fue el primer filme considerado Memoria del Mundo por la Unesco. ¿Hace falta decir más?

En los locos años 20, y posteriormente, durante el periódo de entreguerras, EEUU se hace finalmente con el género, aunque todo se vuelve confuso y éste se mezcla con otros: lo que es ciencia ficción, puede ser también terror. En esta época, aparecen los superhéroes en la industria del comic estadounidense y no tardarán en dar el salto al cine, porque en aquellos años más que nunca, el mundo necesitaba una figura salvadora. Un ejemplo es Flash Gordon (Frederick Stephani, 1936).

Ya en los años 40, surge el miedo a una "amenaza comunista" que podía estar en cualquier parte y tomar cualquier forma. Este pavor colectivo tiene su reflejo en el cine, como vemos por ejemplo en La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956).

En los 50 el cine empezó a competir con la televisión a base de efectos especiales más elaborados y planteamientos narrativos más complejos. Aparecen dos títulos destacados cuyo prestigio llega hasta nuestros días. Por un lado The Day the Earth Stood Still (-o Ultimátum a la Tierra- Robert Wise, 1951), basado en el relato pulp Fairwell to the Master. Al contrario de la mayoría de producciones de aquella época en las que se reflejaba el miedo de la sociedad a una invasión que terminase con su estilo de vida, esta película tiene un guión antimilitarista que rompe la tendencia. Se ganó un lugar en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada «cultural, histórica, o estéticamente significativa».

Por otro lado está Forbidden Planet (Fred McLeod Wilcox, 1956) en la que aparece el robot Robby, un icono de la ciencia ficción. Esta película fue una influencia fundamental para Gene Roddenberry, creador de Star Trek.

En Estados Unidos, la ciencia ficción en los años 60 se caracterizó por el pesimismo. O sino que se lo digan a Charlton "¡Os maldigo!" Heston en El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968). Mientras tanto, en Europa prestaban más atención a la estética, tal y como se muestra en Barbarella (Roger Vadim, 1968) basado en el comic del mismo nombre, en la que vemos a Jane Fonda enfrentarse al malvado Durand-Durand.

Ahora es cuando empezan aparecer los verdaderos pesos pesados. Los 60 fueron unos años muy intensos: los Beatles, los hippies, la Guerra Fría, Woodstock y la llegada a la Luna, el verano del amor y mayo del 68. Y lo que aquí nos ocupa: 2001, una odisea del espacio y la aparición de Star Trek.

Con 2001, a Space Odissey (Stanley Kubrick, 1968) revolucionó el género dándole un toque adulto. Pierde la intención comercial, con lo que deja de ser un título para todos los públicos con un ritmo mucho más lento y una carga simbólica importante. En definitiva, es necesario darle bastante al coco mientras vemos esta película, por algo para algunos es considerada como "pretenciosa" mientras que para otros es "una obra maestra". Quede como anécdota que muchos de los animadores que se encargaron de los efectos especiales se pasaron tanto tiempo trabajando con fondos negros, que, terminada la producción, corrieron a trabajar en El submarino Amarillo (George Dunning, 1968). Desconocemos qué resultados tendría este cambio tan brutal...

Por su parte aparece Star Trek (Star Trek: The Original Series 1966-1969) , una serie de televisión creada por Gene Roddenberry para la cadena de televisión NBC. A través de las aventuras espaciales del Capitán Kirk, Spock y demás personajes de la saga, han llegado a nuestros días recursos frecuentes de la ciencia ficción como el teletransporte o los viajes superluminares. Robert Wise se encargó de la primera película en 1979 y años más tarde sería Leonard Nimoy (Star Trek III: The Search for Spock, Star Trek IV: The Voyage Home) o J.J. Abrams (Star Trek: The Future Begins, Star Trek: Into Darkness) entre otros, quienes se encargarían de actualizar estas hazañas galácticas a nuestros días.

Y ahora que el género ya está desarrollado y asentado y que se empiezan a explorar las inmensas posibilidades de los mundos, personajes e historias que no responden a barreras realistas, el viaje a la imaginación no ha hecho más que empezar. Abróchense los cinturones que seguiremos viajando...

"My folks came to the US as immigrants, aliens, and became citizens. I was born in Boston, a citizen, went to Hollywood and became an alien." Leonard Nimoy

¿Alguna vez os habéis parado a ver los créditos al final de una película aún sabiendo que no habrá sorpresa después de ellos? Es una lista interminable y aburrida de nombres y cargos y, seamos sinceros, sólo consideraríamos pararnos a leerla para darnos aires de interesantes y entendidos y quedar de cine, nunca mejor dicho, con nuestro/a acompañante.

Sin embargo, rodar una película puede ser el caos. Imaginaos, durante un corto período de tiempo, con un presupuesto limitado, un grupo enorme de personas de diferentes áreas de trabajo, cada uno con sus propios egos, se reúne para sacar adelante un proyecto artístico que puede triunfar, o no. Por eso, al rodar una película tiene que existir una organización en línea jerarquizada, algo así como en el ejército, eso, o los rodajes aparecerían muy a menudo en las páginas de sucesos.

Por departamentos y, muy resumidamente, la cosa se organiza más o menos así:

DEPARTAMENTO DE DIRECCIÓN

DIRECTOR-REALIZADOR: Emplaza la cámara, dirige a los actores, supervisa el montaje y la puesta en escena. Además, elige al equipo artístico junto con el productor y el director de reparto

1º AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Es el que guía el rodaje, lo empuja y soluciona problemas.

SCRIPT (SECRETARIO DE RODAJE): Es el responsable del raccord (o dicho de otra manera, que si un personaje tiene una mancha en la camisa en un plano, en el siguiente no aparezca reluciente como en un anuncio de detergente). También rehace el guión y cronometra. Este es un trabajo no apto para desastres.

2º AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Tiene una labor administrativa, por ejemplo, facilita los guiones.

DIRECTOR DE REPARTO O DE CASTING: Conoce el mercado actoral, los cachés y los agentes. Existe una gran controversia sobre la importancia de este oficio que queda en la sombra. La persona considerada como la primera directora de casting fue Marion Dougherty, que descubrió a futuras estrellas como Warren Beatty, James Dean, Peter Fonda, Martin Sheen... Un documental muy interesante sobre este tema es Casting By de Tom Donahue.

DEPARTAMENTO DE PRODUCCIÓN

DIRECTOR DE PRODUCCIÓN: Responsable del control económico, es el que elabora el presupuesto.

JEFE DE PRODUCCIÓN: Se relaciona con el Ayudante de Dirección, es el encargado del futuro inmediato del proyecto.

AYUDANTE DE PRODUCCIÓN: El pobrecillo/a suele llegar el primero y se va el último, se encarga de permisos, infraestructuras, órdenes...

LOCATION MANAGER: Especialista en localizaciones, los lugares para ubicar la acción.

DEPARTAMENTO DE FOTOGRAFÍA

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA: Opera con la luz, es el responsable de la calidad de la imagen. Decide los objetivos o supervisa el etalonaje o, lo que es lo mismo, el igualado de luces entre escenas.

2º OPERADOR/CAMERAMAN: Lleva la cámara, es el responsable de los encuadres. Colabora con el maquinista para controlar cada movimiento.

AYUDANTE DE CÁMARA/FOQUISTA: Responsable del foco, en ausencia del director de fotografía, es la persona más idónea para sustituirle.

AUXILIAR: Carga y descaga los chasis, etiqueta el material y lo transporta.

FOTO-FIJA: Fotógrafo al uso que se encarga del material que se usará para publicidad.

DEPARTAMENTO DE ESCENOGRAFÍA

DIRECTOR DE ARTE: O Production Designer, no confundir con los productores a pesar del nombre. Se encarga del diseño de todo lo que aparece en escena: decorados, mobiliario...

DEPARTAMENTO DE SONIDO

JEFE DE SONIDO: Se encarga de que los diálogos se oigan y da su opinión después de cada toma, es el responsable del sonido directo, decide de qué manera y dónde ubicar los micrófonos.

DEPARTAMENTO DE CARACTERIZACIÓN

MAQUILLADOR: Debe tener conocimientos para realizar técnicas especiales como heridas, sangre, desfigurar a un actor...

PELUQUERO: Peina o despeina, según necesite la acción, y se encarga de las pelucas.

DEPARTAMENTO DE VESTUARIO

FIGURINISTA: Diseña los trajes.

SASTRE: Mantiene el raccord de vestuario, toma medidas y ajusta los trajes a los actores.

DEPARTAMENTO DE MONTAJE

MONTADOR: Es el encargado de coger todos los pequeños trocitos ya rodados para convertirlos en un todo con sentido, además, debe tener un gran sentido del ritmo (audiovisual, claro, no nos referimos a sus caderas)

DEPARTAMENTO DE ELECTRICISTAS Y MAQUINISTAS

JEFE DE ELECTRICISTAS (GAFFER): Evidentemente debe tener conocimientos de electricidad, interpreta las órdenes del Director de Fotografía.

ELECTRICISTAS: Colocan los aparatos de iluminación y el sumistro.

MAQUINISTAS: Se encargan de la maquinaria de rodaje: travelling, grúas, carros, etc. Instalan, operan y mantienen los equipamientos. Además, son importantes a la hora de calibrar los movimientos de cámara.

En definitiva, para hacer una película media necesitaríamos un equipo mínimo de entre 30 y 40 personas. Además, tened en cuenta que no hemos incluido al equipo de actores, la plantilla básica de las empresas productoras (secretarios, contables...) ni tampoco nos hemos detenido en las labores de los auxiliares, los meritorios o los runners, que, como su propio nombre indica se dedican a correr de un lado para otro haciendo recados (algo así como los becarios de la industria del cine). Así que la próxima vez que vayáis al cine y deis un sorbo al refresco para que no se os atraganten la palomitas, brindad a la salud del equipo.

Tras la irrupción del cine de terror, fueron muchos los autores como ya vimos en la entrega anterior, que asentaron los pilares del género hasta llegar los años en los que más evolucionaría y de los que más títulos nos vienen a la cabeza cuando pensamos en pasar miedo viendo una película.

En la década de los 60 triunfó la escuela italiana con películas como Terror en el espacio (Mario Bava, 1965), la cual provocó que a Ridley Scott se le encendiera la bombilla y comenzara a idear Alien. Y antes de llegar a unos años 70 cargados de grandes producciones (cling, cling, caja), las pantallas se iluminan con obras maestras que llegan de la mano de Alfred Hitchcock (Psicosis -1960-, o Los pájaros -1963- ) o de Roman Polanski (La semilla del diablo –1968- ), y que se convierten en éxitos mundiales y serán los prolegómenos de otras grandes como Tiburón (Spielberg, 1975) o El exorcista  (Friedkin, 1973).

Estos son también años importantes para el sobresalto patrio. Destaca el gran maestro del terror psicológico, Narciso Ibáñez Serrador, que se dedicó a acongojar (por no decir otra cosa) a la población española con sus Historias para no dormir desde 1964 a 1982 y dirigió La Residencia (1969) y ¿Quién pude matar a un niño? (1976).

En estos años el cine de terror comienza a despertar en el público el morboso interés por asesinatos en serie, sectas satánicas o posesiones y la violencia se agudiza. Aparecen esos títulos que nos vienen a la cabeza cuando pensamos en pelis de miedo tales como La noche de los muertos vivientes (George A. Romero, 1974) o La matanza de Texas (Tobe Hooper, 1974).

También comienza a explotarse en estos años la figura más terrorífica de todas cuando se une al comportamiento demoníaco: la del niño. Porque, ¿quién no ha conocido alguna vez a un niño que está poseído o al menos, parece estarlo? Quien recuerde la sonrisilla final del chiquillo de La Profecía (Richard Donner, 1976), nos dará la razón. Y sólo hacen falta dos palabras para cerrar este tema y acabar con los escalofríos que produce: El Exorcista (William Friedkin, 1973)

¿Y qué ha pasado en los últimos tiempos? La aparición de más superproducciones, además de festivales exclusivos como Sitges o Avoriaz, hace que los 80 y los 90 vuelvan a convertirse en una edad de oro para el cine de terror. La producción de estos años se encuentra en torno a temas y motivos fácilmente identificables.

Además de la amplia producción hollywoodiense destaca la producción de Hong-Kong en lo que a cine de extrema violencia y sangre se refiere. Destacan títulos como Viernes 13 (Sean S. Cunnighan, 1980), Cumpleaños mortal (J. Lee Thompson 1981) o Pesadilla en Elm Street (Wes Craven, 1984).

En terror psicológico también se producen obras maestras en las que el protagonista es el asesino, las historias de psicópatas muestran el interior del personaje, produciéndose introspecciones en el villano. Y es que pocas cosas provocan más miedo que ver un interior oscuro. Destacan El resplandor (Stanley Kubrick, 1980)  y El silencio de los corderos (Jonathan Benme, 1990)

Mención aparte merece Stephen King, el autor de numerosos títulos del género en su vertiente literaria, y cuyas obras han propiciado un gran número de adaptaciones además de El resplandor: Salem’s Lot (Tobe Hooper, 1979), Carrie (Brian de Palma, 1976) o Los chicos del maíz (Fritz Kiersch, 1984).

Más recientemente, el terror oriental ha dejado títulos importantes como Ringu (Hideo Nakata, 1998), la película original que inspiró la archifamosa The Ring (Gore Verbinski, 2002). En España hemos disfrutado de la saga Rec de Jaume Balagueró, que comenzó en 2007, año también de Los Cronocrímenes de Nacho Vigalondo, recuperando este género que había sido un tanto abandonado por la producción nacional.

Si bien es cierto, el cine de terror tiene cuerda para largo. Aunque la línea entre dar miedo y dar risa es más fina de lo que pudiera parecer, ahí reside la gran responsabilidad de este género. Despertar los pensamientos colectivos más espeluznantes, avivarlos de la mano de personajes icónicos y atmósferas opresivas y convertir la experiencia del horror en un placer exquisito es una habilidad que pocos tienen y de la que, reconozcámoslo, sólo unos elegidos son capaces de disfrutar. Y para los que aún son reticentes, sólo un consejo: mirad debajo de la cama, meteos debajo de la manta y recordad, es sólo una película.

“La emoción más antigua y más intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo y más intenso de los miedos es el miedo a lo desconocido”

 (Lovecraft, 1989).